R1ffm4nn “SINTROPÍA”-Reseña

SINTROPÍA

¡r1ffm4nn!

(2017)

Javier Salinas, “r1ffm4n”, ya nos había sorprendido y cautivado con su transgresora experimentación pop presentada en su proyecto colaborativo con Fernanda Huamán (Alias La Gringa) denominado Kimox, consiguiendo uno de los mejores discos del 2016, “La Vida, [Es] Trilce”; ahora el músico arequipeño prosigue con su obra de influencia DIY, lo-fi y experimental para recopilar en siete piezas (más un tema extra), composiciones que abarcan el periodo 2012-2017, las mismas que pululan entre el caos y la armonía, cohabitando lo bizarro con lo modesto, lo enigmático con lo translúcido, transportándonos de un ambiente a otro sin miramientos. Todo en búsqueda del “sonido propio”.      

Justamente la enigmática “Ser de Grande”, corte inicial del álbum, nos lleva de los orígenes milenarios al presente, con el sonido de unas autóctonas flautas, extraídas de una muestra de la cultura Caral y el audio de unas entrevistas que realizó el compositor a sus alumnos de pintura digital, sobre su futuro, para luego salir a flote unas cuerdas acústicas sobre una ligera marea de enrarecidas sonoridades, semejantes a interferencias. En la enajenada “Squash$h-andion”, Salinas ensaya vocalmente, la reproducción de una caja de ritmo, luego, aparentemente el sampleo de ésta se repite a lo largo de la pieza, transitando sobre ella flautas, cuerdas acústicas, ligeras distorsiones de guitarras y onomatopeyas.

Sobre una contagiosa base rítmica se suceden más melodías chifladas y frenéticas en la psicodélica “Slíquido Mercurio”; Sutiles arpegios y punteos electroacústicos se apoyan sobre sonoridades maquinales, como si Salinas hubiera “sampleado” a un hombre dando martillazos o combazos, en “Cinceltido”, pista que concluye con ambientes tormentosos y explosivos. Prosigue los coloridos riffs de “s1ren4”, pero manchada con esporádicos sonidos lunáticos. Luego vendrán las nostálgicas cuerdas de “Circuit Melting”, cuya delicada textura es atropellada por percusiones programadas, distorsiones, teclados y otros instrumentos que consiguen una caótica ambientación hasta su ruidoso y corrosivo final.

Para la recta final, en la acústica “con TI y con GO”, sus introspectivas cuerdas son desviadas por Salinas en pos de sonidos disonantes, para finalmente regresar al sonido sin retoques y descarnado con el “bonus track”, “Sentido y razón” un cover del tema “Manifiesto” de Víctor Jara, canción que solo está incluida en la versión física del LP. Así pues, tras momentos de caos experimentados a lo largo del disco, todo regresa a su armonía.
Como declara “r1fm4nn”, este disco “es el resultado de algunos años de ensayo/error en la búsqueda del sonido propio”, el cual fue grabado, mezclado en los estudios de Diego la Vie (otro capo de la experimentación arequipeña) y en Musicland de Giancarlo Palao, por su creador, quien también se encargó del diseño de la portada e interiores. Sin duda otro acto genuino y auténtico del músico que esperamos siga entregándonos producciones innovadoras.  

"DREAMS"-ASTRONAUT PROJECT

DREAMS

ASTRONAUT PROJECT

(2017)

Este nuevo trabajo de Alberto Zegarra, el hombre que está detrás del proyecto astronauta, no podía tener un mejor marco para su recepción, exposición en los principales medios de comunicación, así como el anuncio de su participación junto a otras bandas peruanas en la próxima edición del festival Primavera Sound Barcelona, a celebrarse en dos semanas.

El sonido de este nuevo álbum nos deja sorprendidos, pues esperábamos por algo más extrovertido tras disfrutar de dos de sus anticipos, la frenética “Future Colors” y la inocente “Inside Of Me”, durante su última presentación en Arequipa (2015), sin embargo, Zegarra nos presenta un sonido todavía más ensoñador e introspectivo que en su debut. Aquí no hay exploraciones por la galaxia pop de rasgos lúdicos e inocentes, ni danzas con “alienígenas”, sino se siguen por esos ambientes nostálgicos ya visitados en su disco debut, donde la expedición se adentra hacia el lado más romántico e íntimo de su autor.  Ya el músico nos había anticipado no tener “intención de querer hacer un género en particular”, por lo que va por donde le guie su inspiración.   

La galaxia pop de Zegarra ahora se traslada a confines más introspectivos

Es así que el disco arranca con la breve “Zeta Reticuli”, pieza que pareciera extraída del “Kid A” (2000) o el “Amnesiac” (2001) de Radiohead; una especie de hibrido, por cuyos cimientos construidos con teclados taciturnos, cansinos pero retumbantes, salen disparados una serie de sonoridades y programaciones espaciales, además de macizas programaciones de percusión.

Introduciéndonos hacia un ambiente espacial dominado por la melancolía, asoma “Dreams”, cautivándonos con su ascendente electrónica, delicada y mágica, pero sobre todo seductora.  Más sonidos que evocan nostalgia aparecen con el pop sintético de “Sueños de Cristal”, cuyo ingenuo toque de “synth” resulta embelesador. Prosigue “Future Colours”, donde Zegarra toma de su pasado Corrosion, para expulsar sonoridades cuasi industriales mutándose con discotequeras, consiguiendo una mixtura de géneros, cuya solida amalgama de samples, guitarras y otros artilugios brindan una pieza compacta.

La etérea “Ella”, con su cariñosa sonoridad electroacústica de rasgos sintéticos, acompañada por un palpitante “loop”, logra uno de los temas más redondos del registro. Sigue “Inside Of Me”, convirtiéndose en un coqueto guiño hacia los parajes más alegres de su primer disco. Luego, unas cuerdas acústicas a las que se le unen imperceptibles líneas de teclados, se perfilan como preludio, esta pieza instrumental recibe el nombre de “To Be Alone pt.1”; su continuación, “To Be Alone pt.2”, acompañada por percusiones etéreas y voces susurrantes, permanece por senderos reflexivos.   

Zegarra añade sonoridades electroacústicas a su pop sintético.

Para el trayecto final, Zegarra extiende su ternura sonora a base de agradables teclados, delicadas programaciones y sutiles percusiones en la melódica “Año Luz”. Mientras que en “Balada De Una Estrella”, coge nuevamente la guitarra para ensayar unos riffs que nos hace evocar al grandioso “Everybody Hurts” de REM. A la marcha emprendida por sus hipnóticas cuerdas, se van sumando teclados, sonidos enigmáticos y una espectral percusión, para finalmente desvanecerse el corte y tras segundos de silencio, asomarse su repaso acústico y concluir con un esplendoroso teclado.

Dreams es una aventura distinta, que a primera vista nos pareció plana, pero conforme la hemos ido explorando una y otra vez, descubrimos una amalgama sonora sólida. Una obra esculpida con paciencia y donde el astronauta nos muestra la infinidad de parajes que aún nos puede llevar a inspeccionar a futuro.   

PARAÍSO, REVOLUCIONES Y TÚ

Wilder Gonzáles Agreda

Super Space Records

(2017)

Cada acto que nos presenta el músico del distrito limeño de Los Olivos, se ha convertido en una experiencia disímil, perturbadora en “Lima Norte Metamúsica” (2014), cósmica en “Scala Mega Hertz” (2016), donde ya se delineaban sonoridades IDM y trazos ambient que ahora son más pronunciados en este nuevo episodio de la tanática trayectoria de Gonzáles-con el breve "Polykroma" EP (2016) como interludio-.

Wilder explora con sonoridades más minimalistas, planas, pero persistiendo con rasgos abstractos y colindantes con el ambient; es así que en la enigmática “Porno Para Mis Neuronas”,que quizás deba su nombre a los transgresores sonidos que se alternan, suenan semejantes a interferencias cohabitando en un ambiente claustrofóbico, mostrándose como un corolario de lo que será el resto del álbum. Más sonidos enrarecidos, pero en una onda más híbrida, casi líquida, se presentan en “Serenditity”, como una ligera marea de aguas electrónicas, de ruidos sutiles, que susurran al oído.

“Pan Sonic”, tema, quizás a manera de tributo por la reciente muerte de quien fuera uno de los integrantes del proyecto finlandés de ese nombre, Mika Vainio, acaecida el pasado mes de abril, exhibe sonidos introspectivos, muy finos, delicados, casi imperceptibles. Mientras que en “Post Drone-party”, una inocente reproducción de un “casiotone”, se va repitiendo, cual pista “drone”, junto a otros ruidos ambientales que transitan sobre una nebulosa y misteriosa sonoridad, una mezcla entre candor e insania, filtrándose ligeros “feedbacks” de micrófonos, irritables a los oídos.  

Finalmente cierra la extensa “Revolución Crisálida”, cuya inaudible combinación de alarma de carro con grillos (¡¿?!), y otros ruidos lunáticos, ejecutan una marcha en ascenso, hasta que generan un corrosivo sonido, volviendo aún más ruín el panorama.  

Como todo disco de Gonzáles Agreda, una aventura compleja, arriesgada y desafiante. Las alucinaciones sonoras de “Wil Volador”, siguen alzando vuelo por latitudes insospechadas y confusas.

PARADISO ETERNO

ZETANGAS And The Monsters of Comida III

Bifronte Records

(2017)

Carlos García “Zetangas”, el músico nacional de rock melódico experimental radicado en Suecia, estrena vía Bifronte Records y para libre descarga su cuarto trabajo en solitario, donde el ex Electro Z y Rayobac prosigue esa senda ascendente que exhibe su música con el transcurso de sus discos.

Paradiso Eterno representa un gran salto en cuanto a texturas y versatilidad en la sonoridad de Zetangas, confluyendo guitarras melódicas, “noise” y experimentales, donde su paleta sonora ha adquirido un cautivador cromatismo, merced al empleo de sintetizadores, ya aplicados en su anterior entrega, pero en esta ocasión consolidándose en los primeros planos y no como mero complemento, un arsenal de artilugios electrónicos que están presentes en los diez temas que conforman el disco y que solo una atenta escucha hará apreciar esos esmerados detalles, además  de la exploración por terrenos “noise” y “shoegaze”, incursionado con sonidos más ácidos y rudos. 

Zetangas exhibe una guitarra más "endiablada" en este nuevo monstruo

Este nuevo álbum de Zetangas es un manifiesto de lo que parece ser parte de su credo musical, el de crear pistas de corta duración, tan efectivas y contundentes, que sin embargo pasa desapercibida su brevedad.

Todo se inicia con “New Saigon”, donde un sinuoso bajo abre paso a ese hibrido entre cuerdas y sintetizador, cuasi oriental, que se muestra coqueto e inquietante, además de presentar una serie de filtraciones de voces, para luego uno riffs post-punk nos encandilen y se combinen con las placenteras sonoridades iniciales; siguen las palpitantes secuencias de percusión de “La Grande”, sirviendo de plataforma para el despegue de una serie de cuerdas cálidas, sobrecogedoras y espaciales, entretejidas con artilugios electrónicos y etéreos teclados.  

Si bien los primeros temas guardan semejanzas con sus obras anteriores, es a partir de “Nouva Vita” hasta el final, donde el músico nos presenta sus nuevos trazos sonoros, más afines con el ruido y lo experimental; en el tema antes mencionado, sus siderales guitarras en clave “shoegaze” tienen como compañera una percusión de rasgos industriales, exhibiendo sonidos inéditos en su legajo; por esa senda prosigue “Factory Man” con sus ácidos riffs y enajenadas sonoridades sintéticas, precedidas por hipnóticos sonidos. Aquí Zetangas juega a placer con todo su arsenal sonoro, creando una alucinada pieza.

Una adictiva explosión de guitarras ruidosas y atmosféricas estallan en la concisa “V10S”, mientras que una percusión asfixiante y guitarras zigzagueantes nos arrinconan y cogen sin piedad en la frenética “Lux Boy”, donde psicodelia, “shoegaze” y “noise” son mezcladas para nuestro beneplácito… ¡Qué tal “temón”! Unos agudísimos teclados más una portentosa percusión de reminiscencias vernaculares, resultan perfectas para el solaz en “Paradiso Eterno”, que además se confabulan con unas “embrujadas” cuerdas y otras cristalinas para construir una ambientación enigmática, conduciendo nuestra mente por parajes oníricos. Otra tremenda canción que penetra el alma.   

“Mr.Z”, ¿es acaso una referencia a Zetangas? ¿representa su autobiografía sonora? parece que sí, pues el corte resume perfectamente los sonidos explorados por el músico a lo largo de sus cuatro trabajos solistas, sin duda uno de los más experimentales que haya creado el músico, con un genial desenlace, cuya sonoridad pareciera emular al “monster de comida” dispuesto a devorarnos.

Ojalá podamos tener pronto en esta edición

En “V20M”, sus etéreas y delicadas cuerdas iniciales aliándose con sutiles percusiones transmiten sosiego, pero de pronto su mutación desencadena en una amenazadora marea de distorsiones y otros acosadores ruidos, que resultan perturbadores. Para cerrar, “Z011”, regresan las finas cuerdas con percusiones programadas, donde nuevamente esa apuesta por la metamorfosis sónica se hace presente, recreando una avasalladora marcha de cuerdas volátiles, hasta que sin darnos cuenta se terminó el álbum. 
Sin temor a equivocarnos, estamos ante el mejor disco peruano de lo que va del año, la obra cumbre de Zetangas, un manjar para el amante del ruido y la melodía, que si bien agradecemos su libre descarga nos terminaría de dejar derretidos con su edición física...Discaso.    

NO MIGHTIER CREATURES-Reseña

NO MIGHTIER CREATURES

NO MIGHTIER CREATURES

(2017)

“I am Damo Suzuki” (vocalista de los empíricos Can) sentencia la presentación de Renato Gómez en su página de Facebook, manifestando (consciente o inconscientemente) de esta manera una declaratoria no solo de principios sonoros, sino de una vida emparentada con todo lo que signifique experimentación, como su paso por los psicodélicos Serpentina Satélite, su entrega por la poesía, su experiencia dirigiendo una editorial, su estadía por diversos lares, llevándolo hasta Barcelona, donde está radicado, y componer el material que da vida a su proyecto de rock crudo y minimalista de influencia “blues”, en su estado más primitivo y sin retoques, No Mightier Creatures.

Según Renato, «No Mightier Creatures surgió a partir de una investigación alrededor de nudos y rastros de desgaste urbano en ciudades de Europa. Las imágenes se convirtieron en síntomas de crisis económica, intervención política, precariedad y fronteras, iniciando nuevos modos de escritura y composición», ahí encontramos el porqué de una producción tan descarnada, áspera y directa.

Renato ya tenía trabajado varios demos cuando estuvo de paso por Lima, y aprovechó la ocasión para reclutar a sus ex compañeros de Serpentina Satélite, Dolmo (guitarra) y Félix Dextre (bajo), y al Cholo Visceral, Arturo Quispe (batería), para darle forma a los temas y terminar de producir su epónimo álbum debut.   

Desde el arranque las cuerdas “calatas” y repetitivas presentadas en “Yet We Divide”, se erige como el manifiesto de lo que será la obra, sonoridades sencillas pero contundentes que evocan paisajes western, situaciones turbias y enigmáticas, teniendo en la espinosa voz de Gómez, un corolario más de la ambientación siniestra que se intenta plasmar. Prosigue la corrosiva “Multiply”, luego los filosos punteos, así como las descargas bluseras y distorsiones de “Springfield” nos sacudirán del cuadro hipnótico producido por los anteriores temas, sin duda de lo mejor del disco.

Los compactos guitarrazos de “No Light”, conciben una maciza pieza, mientras que, en una onda más folk y etérea, se sitúa la lóbrega ensoñación de “Corporate Dream”. Caóticas guitarras y portentosos redobles se confabulan para recrear la atmosférica y agria “To Cross”, donde sus cuerdas en clave “noise” son expulsadas hacia la estratosfera, otro pico del álbum. Finalmente “Take It Easy”, refleja una sonoridad similar al tema inicial de la producción, a manera de “reprise”, pero menos ruidosa, más melódica y con diferente lírica, causándonos una sensación cíclica, de retorno al origen de nuestro desértico viaje sonoro.
Este trabajo de NMC presenta sonoridades pocas veces exploradas en nuestro medio, que resultan complejas y complicadas ponerle la etiqueta, solo podemos decir que es rock desde las entrañas, orgánico, de carne y huesos, para apreciarlo y disfrutarlo en su desnudez.     

MITAD HUMANA:ENTREVISTA

Paloma La Hoz y Michael Dawson unen sus talentos para dar vida al dúo limeño Mitad Humana, proyecto musical de grisáceo pop, cuyas sonoridades agridulces nos cautivaron de inmediato tras escuchar su primera producción del mismo nombre.  

Atraídos por saber más sobre ellos, acudimos a su "website" http://www.mitadhumana.com/ para luego sostener una peculiar convsersación asincrónica, donde nos contaron sobre sus orígenes, su epónimo trabajo y planes a futuro. A continuación nuestra entrevista:

Las clásicas

TM: ¿En qué proyectos participaron antes de Mitad Humana?

 TM: ¿Cómo se conocieron y dieron origen al proyecto?

TM: ¿De dónde (y por qué) el nombre de Mitad Humana?

 ¿Cuáles son sus influencias para la música y composición de Mitad Humana?

El Disco

TM: ¿Dónde grabaron el disco y cómo fue su proceso de producción?

TM: ¿Quiénes les acompañaron en las sesiones de grabación o ustedes se encargaron de la ejecución de todos los instrumentos?

Mitad Humana, canción por canción

En vivo y más

TM: Ustedes han trabajado de manera diferente a lo que hace la mayoría de bandas, primero el disco y luego las presentaciones ¿por qué esa estrategia?

TM: ¿Qué tal les ha ido en sus presentaciones en vivo? ¿Quiénes les apoyan?

TM: ¿Cuáles son vuestras expectativas y proyectos a futuro como Mitad Humana?  

Escucha el álbum completo aquí 

https://open.spotify.com/album/6WnzHqpTIKFUMy1vOcBWCj